Locus Amoenus/Trinitas.

Mayo 28th, 2010 Mayo 28th, 2010
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critica de exposiciones
escrito por Rodolfo Andaúr
04 de mayo de 2010
La textura y morfología de las imágenes presentes en distintos recintos religiosos distan bastante de representar el ideal de su creencia. En el caso de algunas iglesias católicas, la devoción aplicada, por los feligreses, a ciertos objetos del culto justifica, por una parte el arraigo local y, por otra, los juicios de valor que ha elaborado esta institución durante sus años de existencia.
Ésta Iglesia ha verificado que otorgándole a las imágenes, un valor de carácter perpetuo e inamovible –la creencia- ha logrado en sus seguidores incorporar su estabilidad votiva. En varias regiones del norte de Chile se puede apreciar los casos de la representaciones de vírgenes -la virgen del Carmen, de La Tirana, Nuestra Señora de las Peñas, etc- y la veneración de santos -San Lorenzo o el Apóstol Santiago, entre otros.

Pero también se obtiene un consenso de perpetuidad al observar la yuxtaposición de imágenes audiovisuales en conjunto con las figuras-íconos que involucran a los creyentes en la oración y meditación de los pecados. Estos rasgos de la forma y modo en los cuales las autoridades eclesiásticas difunden el dogma, de alguna manera, se diluye en la esencia misma de imágenes. En la Catedral de Nuestra Señora de la Inmaculada Concepción se han concentrado una gran cantidad de vírgenes y santos que enaltecen aún más la idea de fidelidad al objeto y no a la fe.
Esa iglesia enfrenta a sus visitantes con una impresionante nave central que conduce a un altar decorado con una pintura de la Asunción de la Virgen y rematada con una escultura de San Miguel Arcángel en su cúspide.
Como otro aspecto significante –sobre la arquitectura- podemos mencionar que el edificio religioso iquiqueño resalta la inspiración lograda bajo los cánones estéticos neoclásicos que entregan un equilibrio a las formas y una moderación en la dinámica arquitectónica dentro de las ya conocidas estructuras religiosas, convirtiendo este templo en un lugar inigualable del catolicismo a nivel nacional. Asimismo como el neoclasicismo envuelve esa construcción a la vez se presenta parte de la idoneidad del pensamiento republicano chileno impuesto a fines del siglo XIX en los nuevos territorios. Por lo visto se complejiza aún más la visón de los habitantes del lugar constituyéndolos solo en unos demiurgos de la historia local. Esto ocurre porque la Iglesia que hoy conocemos es la que se levantó en los últimos meses en que Iquique formaba parte del territorio peruano.
Con motivo de las actividades de la Trienal de Chile, el día 8 de julio del 2009, los feligreses que visitaban la Catedral, no solo participaban de la eucaristía, sino que además se convertían en partícipes de una de las actividades más sugerentes en materia de artes visuales en los últimos tiempos.
En el lugar, el artista visual Demian Schopf expuso su obra Locus/Amoenus Trinitas que consta de 3 pantallas de LCD emitiendo una sincronía de cientos de manos con distintos movimientos en los dedos. Con está obra, el artista busca reivindicar en sus más profundas convicciones metafísicas el valor que posee la imagen religiosa y la posibilidad que estas gozan para confabularse entre las matrices medievales de orden pictórico que lograron readecuar y obtener cientos de adeptos en las culturas andinas.

Pero estas pantallas no solo iluminaban ese lugar, al mismo tiempo formaban parte de la decoración floral a los pies de las imágenes de Jesús, la Virgen María y María Magdalena.
A ambos lados de ese altar de madera enchapado con motivos góticos y neoclásicos, el artista dispuso estas tres imágenes para revivir y seducir con las variables ubicuas en La Catedral, sentenciando el propio nombre de la pieza: Locus Amoenus/Trinitas.
Por lo demás, cabe recordar que pocas veces la iglesia se involucra en proyectos de arte contemporáneo, pero es relevante señalar lo realizado por Fernando Prats y su proyecto Anástasis1 en la Iglesia Nuestra Señora de la Divina Providencia de Santiago, que obedece más a una búsqueda del propio artista con la historia de la Iglesia Católica y su manera de representarla. Entiéndase entonces que la obra de Schopf refuerza tanto los contenidos de la doctrina como la misma filosofía impuesta por la orden católica sobre las imágenes. Por cierto, Trinitas usa como dispositivo el circuito religioso, en cambio Prats lo alegoriza. Trinitas tiene su propio mensaje como parásito de la arquitectura, pero Prats pertrecha un mensaje religioso establecido y lo instala en él como una forma de expresar el mensaje de la Iglesia.

Volviendo a la obra de Schopf, una de sus máximas era entender y entregarle cierta certidumbre a esa religiosidad que muchos prefieren eludir cuando están en frente de imágenes. También, Locus Amoenus/Trinitas, viene siendo una lectura reflexiva sobre la Santísima Trinidad, sin embargo logra bloquear los cimientos de esa hipótesis con el espacio del lugar y la celebre frase del protosociólogo napolitano Gianbattista Vico: “lo verdadero y el hecho se convierten el uno en el otro y coinciden”.
Aunque este proyecto fue mostrado por primera vez en la Iglesia católica de la Santísima Trinidad (Trinitätskirche) en Colonia, Alemania, y alude, en estricto rigor –como lo afirma el artista- al problema lingüístico de lo decible e indecible en el campo del arte -y ¿por qué no? en el aspecto de la religión-, en Iquique la variable esta centrada en lo indefinido e imperecedero que puede ser la creencia en contra de la religiosidad.
Vico y su frase en respuesta a la cuestión cartesiana de la verdad -donde esta era ofrecida al hombre dentro de aquellas ideas claras y distintas que le resultaran evidentes- representa la interpretación global que puede definir a Locus Amoenus/Trinitas como una manufactura caracterizada por sus raíces analíticas profundas y filosóficas. Esto último porque simplemente muestra su propia verdad en el acto.
Locus Amoenus/Trinitas, ha sido pensado en los propios hechos relacionales que construyen los dilemas del verdadero significado que converge en tres imágenes y que lo hacen creíble para los ojos y sentidos de todos, en especial, los feligreses. El sitio veda su lugaridad ampliándose a una acción performatica que por logra establecer un emplazamiento de obra y sitio, así como al mismo tiempo muestra su atemporalidad.

Con estos antecedentes, no se puede omitir que para la historia regional, la verdad absoluta de toda nuestra nación se ha construido en hechos que fueron producidos y enterrados en La Catedral de Iquique: el velatorio de los héroes del Combate Naval; el gran triunfo militar chileno como receptáculo de lo nacional a nivel simbólico. El lugar manifiesta símbolos que en general han constituido diagramas de comunicación y convención, precisamente estudiados para esta región y que interpretan la imagen del héroe nacional.
Así, con la exhibición de Locus Amoenus/Trinitas, es imposible olvidar que han sido marcados los actos humanos que trataron de entregar una definición a la gran cantidad de imágenes presentes en tierras tarapaqueñas, especialmente, relacionadas a lo eminentemente religioso e infielmente pagano.
En este punto, donde conviven tres imágenes y tres monitores, existe una especie de determinación como base para nuestros sucesivos análisis sobre lo que realmente significa una imagen, dos imágenes o tres imágenes. ¿De que manera nuestra fe, depositada en una creencia religiosa, alberga la concepción sobre el verdadero significado de tres imágenes en una y una en tres?

Fotos: Vania Fernández Labbé
Tomado de:
http://www.arteycritica.org/index.php?option=com_content&task=view&id=419&Itemid=1

Ciudadanías en Escena

Mayo 24th, 2010 Mayo 24th, 2010
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Ciudadanías en Escena

Textos post-curatoriales
escrito por Julia Antivilo
13 de diciembre de 2009

Como en mi primer encuentro de performance realizado en Buenos Aires en el 2007, este VII encuentro fue igualmente intenso, pero quizás más polémico. Organizado por el Instituto Hemisférico de Performance y Política de la Universidad de Nueva York este espacio se recrea en las Américas cada dos años reuniendo a alrededor de 600 participantes entre artistas de performance, estudios@s del tema y activistas sociales que trabajan performativamente sus propuestas políticas. Esta versión se desarrolló entre el 21 y el 30 de agosto en Bogotá tomando el nombre Ciudadanías en escena. Entradas y salidas de los derechos culturales. La apertura estuvo marcada por el reconocimiento a las trayectorias de los afiliados destacados recayendo en las figuras del performancero Guillermo Gómez-Peña y en Tomás Ybarra-Frausto por su importante y literalmente extensos aportes a los estudios del arte chicano.

La dinámica del encuentro reparte conferencias magistrales, mesas de discusión, grupo de trabajo, performances, talleres, una muestra de artistas visuales y otra de video-arte. Con tan amplio espectro de actividades la decisión a qué vas a asistir fue difícil pues, especialmente performances, grupos de trabajo y talleres pasaban en forma simultánea, por lo cual, indefectiblemente debías optar. En lo personal tomé el grupo de trabajo Género, sexualidad, cultura visual y performatividad en el que nos reunimos desde el segundo día del encuentro por tres horas presenciales en las mañanas. Antes del encuentro estuvimos conectados desde la virtualidad de la plataforma ESSEO.cl, espacio que se dio para la reflexión sobre nuestras propuestas desde lo académico, la investigación, lo artístico y el activismo1. Nuestras sesiones de trabajo se orientaron a partir de varias interrogantes en torno a las diversas formas de escenificar al cuerpo sexuado tanto en el campo teatral como el socio-político. Algunas de las preguntas que guiaban nuestra discusión fueron: ¿Qué consecuencia tiene la sexualidad hecha visible en la esfera pública? A qué regímenes representacionales se sujeta el cuerpo que practica sexualidades alternativas? ¿Cómo se puede intervenir en la manera de codificar/descodificar corporalidades disidentes? ¿Cómo el cuerpo sexuado puede plantear nuevas maneras de pensar la ciudadanía? Si el género es un performance más que una naturaleza dada, entonces ¿Cómo podemos plantear una performatividad de género que lleve a una mayor representatividad política para mujeres y personas de las comunidades LGBTT2?

Todas estas interrogantes las intentamos responder desde nuestras propias experiencias para abrirnos otras preguntas tales como: ¿Cuales son las estrategias performativas o decisiones creativas y técnicas que se utilizan para lograr ser efectivas? ¿Cómo canalizar los intereses tanto individuales como grupales? ¿Cómo elegir? ¿Cómo hacer elocuente un concepto crítico a través del cuerpo? ¿Cómo servirnos del cuerpo para analizar los juegos del poder, del saber y del hacer? ¿Representación v/s representatividad? ¿Teatralidad v/s performance? Esta vez no hubo plenaria de todos los grupos de trabajo, como se hizo en el anterior encuentro, se optó por la conversación entre los grupos más afines y/o el recorrido o visita por los diferentes grupos, en nuestro caso compartimos con Transperformance3 y fuimos visitad@s por Diablos Festivos en las Américas4.

Además participé del taller que dirigió por tres días Diana Raznovich5 llamado Humor y violación de los derechos culturales. Esta destacada caricaturista feminista, nos hizo reflexionar sobre cómo se podía utilizar al humor a modo de una herramienta y/o arma para el empoderamiento. El reírse de quien te oprime realmente nos hace perder el miedo a los poderosos, por lo tanto, desestabiliza, perturba, molesta fisurando lo monolítico de los discursos del poder hegemónico masculino. Para Raznovich, las estrategias que se deben utilizar, para trabajar en humor feminista, una altísima capacidad de síntesis en la búsqueda de una fusión de diferentes elementos estéticos que permitan formar una poética dentro de la tarea de desestabilizar la semiótica del poder patriarcal.

Aunque suene al dicho popular el burro siempre por delante, comenzaré relatando mi performance, pues fue en la que primero estuve ya que fue el día inaugural antes del cóctel de bienvenida que nos recibía a tod@s en el Museo de Arte de la Universidad Nacional de Colombia. El patio central fue el escenario en que montamos Aphrodisia, performance conferenciada, que comenzó con una sombra china en la cual se probaba -al son de Try me, I know, we can make it de Donna Summer - aphrodisia; un urinario femenino para orinar de pie, bidet y masturbatorio. Se acompañó con la lectura de un texto del mismo nombre apellidado El uso del placer una categoría política feminista, que promocionaba las virtudes de este instrumento, el cual invitaba a subvertir la cotidianidad, lo privado, lo que es también político. Un espacio tan cotidiano como el encuentro con la intimidad del cuerpo propio en el uso de un urinario y/o bidé se transformaba en un campo de empoderamiento de las mujeres.

A través de la subversión performática, Aphrodisia celebraba conocerse a sí misma, a partir de actos cotidianos como podrían ser el orinar y o el lavado genital y también de la masturbación, transformándolas en un acto de placer cotidiano que permite no sólo el autoconocimiento, sino también el empoderamiento. Finalmente se invitó a las y los espectadores/as a probar este aparato y sacarse una foto a través de la sombra china la cual fue enviada por Internet6.

2boys.tv, Aaron Pollack y Sthephen Larson (Montreal, Canadá), se presentaron varios días con Phobophilia, excitación a partir del miedo; una pieza performática que, en escena y basada en la vida y obra de Jean Cocteau, planteaba exquisita y sutilmente la pregunta ¿Cuál es el papel del poeta en una época caracterizada por el miedo?

Después de una interminable escalera de caracol y un oscuro pasadizo en el que te guiaban con los ojos vendados, se podía apreciar un interrogatorio a un personaje con capucha. Este protagonista narraba su propia vida en un video animación proyectado sobre una caja negra que se desplegaba a modo de cuento pop up, pero con más movimiento pues era video, en el cual este relator cerraba o abría puertas a sí mismo, como todopoderoso de su propia historia. Una joya de visualidades que proyectaba múltiples sombras en un vértice muy agudo en que terminaba la escondida y serpenteada sala del Teatro León de Grieff7.

Patricia Ariza8 es la performance colectiva, masiva y callejera que grita, corre y danza para tomarse por asalto el centro del poder colombiano. En plaza Bolívar, más de 300 mujeres víctimas y sobrevivientes del conflicto armado colombiano presentaron ¿Dónde están? Memoria viva. Mujeres en la plaza como una gran movilización poética de la presencia, ausencia y resistencia de las mujeres desplazadas por la violencia, de las y los desaparecid@s, los asesinatos sistemáticos de líderes sociales y políticos las y los mal llamados falsos positivos que son -o más bien habría que decir fueron- personas opositoras al gobierno de Uribe acusados de ser guerriller@s, y por ello tomado detenid@s, asesinad@s o desaparecid@s por las fuerzas del Estado fascista colombiano.

David Lozano indagó en los símbolos y cuerpos de la eficacia del poder y la violencia. Enfrentándonos con perspicacias, imprimió en la entrada de la Universidad Nacional por calle 45, en el mismo lugar en que, hace un par de meses, las fuerzas del control del Estado habían asesinado a un estudiante a golpes.

Entre un mar de basuras, después apiladas por un grupo de mujeres del aseo universitario, aparece una pareja de físico culturistas. Ellos son parte de Doce ejercicios de la gimnasia rítmica americana sin armas. Marca y ego, oficios para el cuerpo, performance que se enmarca en la ostentación de un escuadrón de choque de la policía que, al ritmo marcial de crípticas instrucciones que uno de ellos iba dictando a través de un megáfono, exhibían consignas por la convivencia no violenta escritas en sus escudos. No pude aguantarme y comencé a vociferar; si acaso nos darían de golpes como parte de la demostración, fue realmente fuerte. Esta acción se llevó a cabo un sábado cuando existe muy poco alumnado en la universidad. Sin embargo quien pasaba por el lugar no quedó ajen@ y más de algun@ les gritó desde lejos; asesinos! Mientras ellos en su adiestramiento intentaban lavar su sangrienta imagen.

Desde el underground mexicano La Congelada de Uva, nombre artístico de Rocío Boliver, es “la abanderada situacionista del Epifenómeno de carácter sexual” como señala Rubén Bonet9. Podría agregar que es también la ironía subversiva que te puede hacer reír a carcajadas o desprender el alma siendo la súper heroína guarra de la trasgresión sexual o postpornosvado o pornotecnóloga feminista carnal de la literalidad.

Se presentó con más de una performance, programada y no programadas. La primera fue Sonata para pepáfono y voz opus 140, que en palabras de Guillermo Gómez-Peña es lo más clásico que hemos visto de la Congelada. En un concierto en cuatro movimientos interpreta junto a una cantante de ópera, ambas de riguroso negro, la sonata que musicalizó con el pepáfono, instrumento musical que la performancera hizo sonar a través de su vagina donde introdujo un embudo junto con la manguera de un bombín (inflador de llantas) acompañando la voz de la cantante para invitar a reflexionar sobre el derecho a la cultura para todo tipo de público.

Otra de las acciones de La Congelada (no si sé si tuvo nombre) se presentó en Mapa Teatro en el Trasnocheo. A mi juicio, la artista mexicana hizo cuerpo y acción la iracunda e insolente respuesta-pregunta que puede salir del alma y decir: ¡¿Crees que he pasado todo el día peinándome los pelos del xoxo???! cuando se cuestionan los oficios de las mujeres, como inferiores o se los menosprecia como si los trabajos domésticos u otros efectuados por las mujeres no fueran trabajos que requiera reconocimiento, y lo hizo a través de una insolente y macabra demostración autoflagelante de atravesarse ganchos en los labios de su vagina para colgarse largas cabelleras.

Si, las imágenes podrían hablar por sí solas. Sin embargo, nunca podrán retratar el unívoco y unísono clamor de las mujeres en la sala cuando habíamos visto colocarse ya dos ganchos, uno en cada labio, y tomó un tercero. En una sola voz gritamos noooo!!! y ella dice sonriendo siiiiii!!! y con un pequeño alarido de dolor se atraviesa un tercer gancho, mientras del público se escuchó: ¡Basta Congelada me estás rompiendo el alma! Efectivamente, no se si el alma, pero algo nos rompía. Posteriormente, se peina las cabelleras, las trenzó y colgó una gran campana que hizo sonar con balanceos pélvicos los que repitió sobre los largos mesones de Mapa Teatro. Lo mismo hizo al amarrarse una segunda campana a la trenza. En franca ironía, para finalizar, se coloca un casco de seguridad y se arrima a esos resortes que emulan a las patas de los canguros para saltar y tocar con ímpetu un gran cencerro. Por acierto de la organización la cautivante voz de Karina Casiano con su espectáculo ROOTLESS: La No-nostalgia, nos reparó, en parte, eso que nos quebró La Congelada de Uva.
También en el trasnocheo se presentó Nao Bustamante con la performance Entregados al deseo, en la que la artista utiliza frutas como calzado y esculpe su cuerpo con cintas adhesivas. A través de tormentosas sombras se mueve en una lucha por el equilibrio sonorizado con el desgarrador ruido de sacar más cinta adhesiva. Luego las sombras se hacen cuerpo o la imagen se hace cuerpo desatándose incontrolable y voraz para explorar el deseo humano.

En la significativa Plaza Che, en la Universidad Nacional, Fernando Pertuz interrogó a las y los transeúntes sobre Un mundo mejor, cual mediador virtual con su computador portátil y webcam. El artista nos intima por segundos, ante la red mundial virtual, pidiéndonos nuestras propuestas para obtener un mundo mejor y qué estamos haciendo para cumplirlas.

También en esta plaza, el Teatro La Máscara partió con Deambulancias que reúne a las diferentes, pero comunes, historias de mujeres desplazadas por la violencia en Colombia. La performance se proyectó por los diferentes senderos del campus, los mismos diversos caminos que tomaron las mujeres desplazadas, llevando la voz de sus pérdidas y desventuras, pero también de sus resistencias transformándose en las hacedoras de nuevas sendas lejos de la violencia.

Cuando todo el Encuentro pensaba que La Congelada había sido la irreverencia misma o por lo menos, la que llevaba la batuta hasta ese momento, aparece en escena la Señorita polémica, Tania Bruguera quien, a mi parecer, más que trabajar con la conducta de las personas trabaja con la controversia. Sin embargo, ella señala que su materia prima es: “la conducta social como su medio de expresión, como su material, como su finalidad y como su documentación. Un arte como construcción de lo colectivo, creando una situación que haga posible que el público se transforme en ciudadano. Un arte que para que se den estas condiciones propicia una relación, un punto de encuentro entre ética y deseo”10. Así describe la artista cubana, o confunde o acierta para revolver algunos de los agentes del conflicto armado colombiano. La artista convocó a una mesa a modo de panel la que se constituía por un exparamilitar, una exguerrillera y una mujer que le tenían secuestrada a su hermana. La invitación decía ser “un encuentro performático en forma de debate pacífico, basado en el respeto y la convivencia. El tema que nos reúne es “La construcción del héroe”. Con tal fin he convocado a la mesa a algunos actores del conflicto colombiano”11 De entrada se entregó un aclaratorio y advertencia, a través del volante que explicitaba que la asistencia era bajo nuestra responsabilidad y que ni tampoco las opiniones expresadas en el evento reflejaban la posición ideológica de la Universidad Nacional ni del Instituto Hemisférico de Performance. De forma paralela y mientras la mesa opinaba y respondía preguntas del público, se preparaban líneas de cocaína, las que una asistente de la artista iba ofreciendo al público asistente. Algun@s personas probaron, otr@s no podían creer lo que estaba sucediendo e indignad@s se tomaron el micrófono encarando, después de dar por terminado la mesa, a la gente que consumió las dos líneas que se permitía por persona, así como también a la artista como responsable principal de lo que estaba pasando. Después que muchos/as exigieran que la artista se hiciera cargo, Tania tomó el micrófono sólo para dar gracias a “los colombianos” y se marchó, con lo cual la gente se exaltó aun más.

Los días siguientes se especuló mucho, declaraciones iban y venían de todos lados. Con todo, la performance había sido muy efectiva. Nada se sabía de la artista, e inclusive se dudaba que estuviera en el país. Sin embargo, se presentó en la última mesa del Encuentro en la que además compartía junto al artista visual Wilson Díaz, Rocío Boliver (la Congelada de Uva) y Guillermo Gómez Peña. Cada un@ presentó a su modo el desarrollo de sus trayectorias. Wilson presentó un power point sobre sus obras y videos de sus intervenciones con la cotidianeidad de la guerrilla. Rocío no se presentó sola, se representó a sí misma como una muñeca que la manejaba una mujer como una ventrílocua que leía un texto muy divertido en inglés sobre su obra. Guillermo se presentó con la lectura de un texto con su particular poética neolingüística intercultural. Cada artista dejó claro cómo se vinculaba con el público. Guillermo Gómez-Peña, por un lado, dijo que su público era muy importante, pues él pensaba la obra se hacía para deleitar a sus espectadores/as. Rocío Boliver, la Congelada, expresó que para ella el público no era muy significativo pues en tanto a la recepción tenía bastante claro que su obra no era muy agradable para cualquiera, por lo tanto, del público no esperaba mucho. Wilson Díaz, por su parte, dijo que en varias de sus instalaciones el público estaba invitado a participar, por ejemplo, llevándose parte de la obra como en su instalación con semillas de coca. Tania Bruguera, la vedette de la mesa, leyó su manifiesto sobre el Arte de la conducta avocándose sólo al texto al momento de responder las intervenciones directas, furiosas, laxas y performanceadas del público. Dentro de éstas se destacó la de Nikita, artista y activista colombiana, que con un discurso heroico enrostra a la artista toda su molestia por la performance de la cubana12.

Con todo, éste y todos los Encuentros, a mi juicio, son espacios internacionales necesarios que se desarrollan como instancias imprescindibles para compartir -desde la inter y transdisciplinariedad- visiones, experiencias, disímiles o semejantes, de nuestras diversidades de corpolíticas o de cómo hacemos cuerpo nuestras propuestas estéticas y políticas. Las formaciones de raza, clase, sexualidad, etnia y género articuladas a través de las políticas del cuerpo en geografías e imaginarios pueden ayudar a escudriñar el cuerpo y sus performatividades hoy en las Américas como sitios de negociación, medios de expresión y de producción de nuevos significados.

Julia Antivilo
Es candidata a doctora en Estudios Latinoamericanos
en la Universidad de Chile y es Magíster en Estudios Latinoamericanos
de la misma casa de estudios
También es fundadora de Malignas Influencias,
espacio de colaboración de arte feminista que existe desde 2004.
contacto:
julia.antivilo@gmail.com

tomado de :

http://www.arteycritica.org/index.php?option=com_content&task=view&id=414&Itemid=34